「高雄青年文學獎」 每年都會在得獎公告後，邀集評審舉辦公開的交流會「評審面對面」，讓創作者能夠親耳聽到評審講評，並針對創作者對於創作之路上的疑惑和困擾提供參考與解析。
講題︱在牆角深處新生的意念——如何將青春關鍵詞轉化成「詩」
時間︱11/24（日）14:30-16:00
講者︱2024年新詩類評審_達瑞、廖瞇、任明信
地點︱長生全方位銀髮健身俱樂部
紀錄︱鄭晴芬
對於「新詩」的評審想法
青年文學獎的評審過程不僅是一場對作品的鑑賞與討論，也是一場對創作生命歷程的探索。今年的評審──任明信、廖瞇與達瑞，在評選過程中歸納出不同年齡層的寫作關鍵詞，並分享了他們對於作品的觀察與評選標準。
評審任明信指出，12-15歲組的作品常圍繞著自我探索、初戀與單戀的情感經驗，以及來自課業、家庭與同儕關係的壓力。他發現許多作品都在探問「我是誰」以及「未來將何去何從」，展現出對成長的困惑與渴望。
評審廖瞇則注意到，這組參賽作品中常出現「月光」、「晨曦」、「夢」、「風」、「海」、「咖啡」、「思念」等詞彙，這些象徵性的詞語讓她思考創作者是否真的經歷過這些景象，還是只是受到既有文學作品的影響。此外，她也觀察到許多作品關注外表與內在的不一致，反映出青少年在塑造自我形象時的掙扎。
達瑞則認為，這個年齡層的學生忙於課業，如果能抽出時間進行寫作，本身就是一件值得肯定的事情。他鼓勵年輕創作者持續書寫，從生活經驗中發掘靈感。
任明信表示，相較於國中組，高中組（16-18歲組）的創作者已開始擁有自己的語言，對愛情、親情與課業的書寫更加深入，甚至能夠剖析這些經驗的本質。他發現部分作品不僅僅是在描寫某個情境，而是試圖將其剖開、深入探討。
廖瞇歸納出這組的寫作關鍵詞，包括「自在」、「存在」、「渾沌」、「迷惘」、「歸屬」、「尋找」、「空白」、「青春」、「時間」、「平衡」與「不平衡」。她認為，這個年齡層的作品在文字表達上已經相對成熟，但仍需探問自己真正想要傳遞的內容，進一步強化個人語言的獨特性。
達瑞則指出，這個階段的創作者開始面對未來的不確定性，憂鬱與心理上的困惑在作品中更為明顯。他鼓勵年輕創作者在創作中找到自我，並藉由文字梳理內心世界。
任明信認為，19-30歲組這個階段的創作者需展現對自由、孤獨、生存與生命無意義感等議題的深刻理解。他特別強調，書寫情愛並非不重要，但若能從情愛的描寫進一步觸及生命的虛無，作品的層次將更為豐富。他也表示，這個組別的優秀作品很多，但由於名額有限，無法讓更多佳作脫穎而出。
廖瞇則以「帶人到更遠的地方」作為這組的創作標準，認為真正的創作者不應只為文學獎而寫，而是要透過寫作來梳理內心、傳遞情感。她鼓勵參賽者思考寫作對自身的意義，並持續累積創作實力。
達瑞也認為，這個組別應該以作家的標準來評審，一些作品相當突出，選擇優秀作品的過程反而顯得輕鬆。他期待這些創作者能夠持續發展，讓文學成為一生的志業。
三位評審一致認為，文學創作不應只是為了競賽，而是一種與自我對話、探索世界的過程。無論是青少年還是成人組的參賽者，都應該思考寫作的初衷，並在書寫的路上不斷前行。青年文學獎不僅是對優秀作品的肯定，更是一個讓創作者發掘自身聲音、尋找文學歸屬的平台。
詩歌的成長是否該有年齡的界線？──談12-15歲組參賽作品
詩歌的成長是否該有年齡的界線？在12-15歲的文學創作中，文字的成熟度是否與年紀相符，抑或是可以跳脫既定的框架？評審們透過本組參賽作品的討論，探討文學如何維繫個體的生命狀態。
任明信評審特別關注作品的意圖與表達效果，他指出：「文學獎的殘酷之處在於，評審評的是作品所能達到的表現力，而非創作者當下的感受強度。」針對三獎作品〈一切讓我活著的吞忍〉，他表示，這首詩讓人感受到創作者生命的掙扎與吞忍，作品呈現了一種極端內聚的狀態，然而，他也對這樣的成熟度抱持疑問，擔心這是否是指導老師與學生共同完成的產物。他強調：「評審時，我希望看到創作者自身自然生長出的文字，而非經過過多外力雕琢的結果。」
相較之下，佳作〈遠航〉展現了一種收束的力量，以醫院、海港等場景取代直接的情感宣洩，最後的呼喊也融入風景之中，展現了國中生在情感拿捏上的高度掌握。
廖瞇評審則持較開放的態度，認為文學創作不應該被年齡框架限制。其首選作品〈人生三態是......〉與〈一切讓我活著的吞忍〉風格迥異，但都展現出獨特的文字魅力。〈人生三態是......〉帶有神祕感與時間的流動，讀來像是謎語般耐人尋味，評審會議中，大家對「人生三態」的具體意義沒有明確的共識，這種不確定性反而成為作品的魅力之一。
此外，他也提到佳作〈期末〉，該作品以簡潔的筆法描述考試壓力，並以幽默的態度處理，使作品更具可讀性。他認為：「這種輕巧又帶點玩笑的處理方式，或許只有青少年時期才會出現，這正是作品獨特的價值。」
無論是成熟的內斂表達，或是富有年輕氣息的直率書寫，這些作品都展現了詩歌在不同創作階段的可能性。評審們在討論中，既重視作品的技法，也關心創作者的真實成長軌跡。最終，文學的價值或許不在於是否符合某個年齡的模樣，而是能否真正打動讀者，在文字之中找到獨特的生命共鳴。
二獎作品〈人生三態是......〉的作者詩涵，現場分享了這首詩的創作心得，透露其靈感來自國文課上的一篇課文。她表示，創作的起點源於母親送給她一顆完整的西瓜，象徵健康無缺的身體。然而，隨著時間流逝，她開始意識到自己未曾珍惜這份禮物，例如因長時間閱讀小說而近視，或在行走時不慎受傷。
詩中「日復一日／變成水／變成木」的意象，與最終西瓜渣的「渣」相互呼應，象徵身體的變化與時間帶來的無法挽回的影響。「終前將」意指生命的終點，「一飲而盡」則表達了個人必須承擔一切結果的無奈。詩涵以「時間沙」來形容時間的侵蝕，就如同喝西瓜汁時難以避免的沙粒，或是沙灘上風吹拂而沾染全身的細沙，呈現時間無可抵抗的力量。整首詩的核心概念——三態，體現從完整到破碎，再到最終殘渣的生命歷程。
評審廖瞇表示，若非聆聽作者的闡述，讀者可能無法體會作品的真正內涵，這也突顯了文學作品的獨立性。讀者的理解可能與作者原意不同，但這並不影響詩作本身的趣味性。
評審達瑞則從詩歌韻律的角度出發，認為詩涵的作品展現了不同層次的閱讀與聲音表現方式。他強調自己在評選時，會關注詩作的閱讀體驗、意念深度與文筆優劣，並認為〈傾聽〉這首詩的結構與流暢度十分優秀。
評審任明信則特別欣賞〈傾聽〉、〈一切讓我活著的吞忍〉與〈遠航〉。他認為，這些作品雖然工整，卻隱含著創作者的企圖心。對於年輕創作者來說，能在課業壓力下創作出這樣的詩作，已經展現出驚人的潛力。他提及詩人顧城十二歲時創作的〈楊樹〉，以簡短兩行詩句展現驚人的想像力，並認為這類創作的稀有與珍貴性，使他願意以最高標準來審視參賽作品。
極為狂放的生命力與想像力──16-18歲組參賽作品回顧
在16-18歲組的評選中，出現了三個同分作品，然而由於名額限制，最終〈眠夢〉未能獲選佳作。任明信評審特別提到，他在評分時最欣賞〈最好的不過是順序〉、〈眠夢〉與〈愛上一個養企鵝的女孩〉。他形容〈眠夢〉的創作者彷彿進入夢境般地狂舞，帶有極為狂放的生命力與想像力。雖然技巧尚未臻至成熟，但其創作狀態極具感染力，展現了純粹的藝術熱情。他希望這位作者能夠持續創作，保持這份難得的精神。〈愛上一個養企鵝的女孩〉則在意象與語言運用上獨具特色，起初難以捉摸，但細讀後能夠感受到作者對於字詞擺放的精準掌控，展現出獨特的音樂性與詩意。
在日常的細微之處發掘深刻意涵，這是許多優秀寫作者的特質。以佳作〈螺絲〉為例，廖瞇對其描寫方式表示驚艷。他提到，自己從未如此思考過螺絲這一物件，作者透過螺絲隱喻人生，呈現出渺小與堅強的對比。螺絲雖然微不足道，卻能緊緊鎖住重要之物。然而，在詩的第三段，螺絲被錯誤使用，這讓人不忍，進而引發對人是否也會被錯誤對待的思考。螺絲雖非人類，卻能引起對人生命狀態的聯想，這樣的比喻令人印象深刻。
另一篇佳作〈蛋黃拌飯〉同樣展現了細膩的情感表達。評審廖瞇表示自己在活動前與作者張歆宜交流後，發現該作品能產生多種解讀。他形容詩中的畫面如電影鏡頭緩慢推移，煮食場景帶來深刻的情感共鳴，尤其是為心愛之人料理的細節令人動容。文字雖然平淡，卻極為貼切地傳遞出情感，讓人聯想到一封為不識字之人所寫的情書。
談及創作過程，作者張歆宜現場分享，這首詩是在回家公車上完成的。當時手機沒電，她無法背單字，於是望向窗外，看到夕陽美景，便萌生了詩意。她以「白色火團」象徵太陽，而食材則比喻為人，描述人們清晨起床工作。「出水蒸」與「鹹」對應流汗，蛋黃被戳破則象徵夕陽落下時的暈染景象。這樣的畫面彷彿一封美好的情書，但有時候人們未能及時捕捉美景，就如同有人看不懂這封情書般，轉瞬即逝。詩中「銀白米飯」象徵星星，「消食藥丸」則比喻月亮，將日夜更迭的意象巧妙地融入作品。
另一篇佳作〈牆角〉則展現了被束縛與掙脫的情感。評審達瑞表示，詩中所傳遞的困頓感讓他聯想到自己的高中時期，也與初學寫詩時的心境相呼應。作品運用了多種素材交錯，讓情感得以延展，營造出舒適而共鳴的氛圍。正如閱讀詩歌的珍貴之處——即使不認識作者，每位讀者都能透過不同方式解讀，並產生共鳴。
至於本次比賽的首獎作品〈最好的不過是順序〉，評審一致認為其題目帶有神秘感，內容精彩紛呈，情緒起伏豐富，展現出非凡的創作功力。這樣的作品，不僅吸引讀者深入探索，也讓人對詩歌的可能性有了更深層次的體會。
文字精緻度高──19-30歲組參賽作品回顧
評審任明信表示，初次閱讀首獎作品〈優子我現在還是偶爾會夢見〉時，他尚未立即心生深刻感受，也許是沒有對文章進行足夠深入的理解。在初評時，他更傳比執著於二獎〈地產大亨〉和未得獎作品〈短歌II〉，主要是因其文字精緻度高，與他對成人組作品的期待相符。然而，評審達瑞在初評時對〈優子〉的觀察，這也讓任明信再次精讀，發現其文字的輕盈與魅力。
這首詩主推一個名字在世界中的存在流轉，也是對自己與世界認知的探索。「你的任性就是理性」漸進描繪青春期的掙扎，而「你說我名字這個字寫錯了／優子／有沒有可能我寫錯的是你的名字」以親暮口氣為格調，如同日記或情書，其內涵卻是動人的內心坑洞與悲哀。從「優子／我被太陽光曬傷，世上沒有所謂奇蹟/只有純粹無味的一天」，一路到「秋天是從踩過一片枯葉後到來的」，詩作繼續用演進的方式帶出情感的突變與意識漸漸醒悟。「鐘聲」的重複出現，從學校到醫院，是大變的引导而非單純的景物描寫。
評審任明信也特別提到〈短歌II〉這首遺珠作品，在他心中和〈地產大亨〉並列第二，他相當喜歡，但相比之下，〈優子〉在感情自然度上更為突出。而該作者另一首作品，使用相關意象的連結方式，有今年林榮三文學獎新詩首獎──陳昌遠，過往的作品〈工作記事〉的影子，這是稍微遺憾的地方。
廖瞇談到，最初他對《地產大亨》的印象並不深刻，將其略過。然而，在重新閱讀後，作品中將遊戲規則與人生的無奈進行比擬，使他感受到了一種平穩與精準的力量。他認為，這首詩的比喻雖然直白，但在進一步品味後，讓人理解到人生如同一場遊戲，無法選擇退出，而只能依循規則繼續前行。特別是詩中的最後一段，表達出一種無法改變的無力感，深深觸動了他。
針對三獎〈長假〉。廖瞇指出，這篇作品讓他聯想到日劇《長假》，那種無所事事的假期感覺，同時也帶來對未來的不確定與迷惘。他認為，儘管這種迷惘看似微小，但卻令人感到沉重，尤其是在面對人生的空白時。這篇作品捕捉了人生中那些瞬間的焦慮與等待，他認為詩中的情感描寫非常真切，讓人感同身受。
達瑞則特別提到〈致我親愛的地質學家〉這首詩，稱其具有強烈的畫面感和神秘性，並且讓他對地質學產生了興趣。他也回顧了在19至30歲這個年齡段中，詩歌的風格和內容可能已經逐漸接近成熟的文學獎作品，而其中的一些作品，如〈優子〉則給他帶來了濃厚的動漫感。
總體來看，本次討論呈現出兩位評論者對於詩歌情感與畫面性的深刻體悟，無論是〈地產大亨〉對於人生規則的探討，還是〈長假〉對未來不確定性的反思，這些作品都在不同層面上引發了他們的共鳴。
參賽者現場分享創作歷程
16-18歲組三獎〈愛上一個養企鵝的女孩〉的作者鄒子提，透露對他而言，寫詩是一種休閒和紓壓的方式。他形容相比於寫小說，寫詩更像是滿足一種生理需求，而非義務或任務。這首詩的誕生源自於他在面對壓力時的心境，最初這是他的一個小說構想，但由於小說未能順利寫下去，他決定將這個構想轉化為一首詩，來幫助自己放鬆。
19-30歲組首獎〈優子我現在還是偶爾會夢見〉的創作者蔡芷妮，則分享了這首詩背後的情感根源。她提到，雖然這首詩反映的是她高中時期的情感，當時的生活狀況並不如意，她只能從生活中的小小發現中找到希望。詩中的「優子」，可能是她當時理想生活的投射，而這首詩也因此帶有一種對當時困境的對抗與釋放。蔡芷妮表示，她並不是一位從學生時代就寫詩的人，寫詩是在進入社會後，面對工作壓力時，靜謐的夜晚中，內心的想法逐漸成形，才開始嘗試寫詩。她對於詩歌能夠被認可和分享感到非常感動，也對主辦單位的獎項表示感謝，讓她有機會與更多人連結。
12-15歲組首獎〈傾聽〉的作者張子昱，則分享了他創作的初衷。他表示，寫詩對他來說是一種情緒的表達和觀察的結論，最初他只是單純地想把心裡的話記錄下來，不太在意作品是否符合「詩」的標準。對他來說，寫詩是一個自我表達的過程，寫出來的文字，無論是詩或不是詩，都足以讓他感到滿足。
這些作者的創作故事，不僅揭示了他們個人情感的流動，也展現了詩歌作為一種情緒釋放和心靈寄託的重要性。他們的經歷使我們看見了詩歌創作背後的真實與力量，並激勵更多人去探索自己的內心世界。
詩是什麼？
現場有觀眾提問「詩是什麼？」這個問題看似簡單，卻蘊含著無限的可能與詮釋。詩人廖瞇與任明信分別從不同角度探討了詩的定義，展現詩的多樣性與個人觀點。
對於詩的定義，廖瞇並不認為有標準答案，並拋出反問：「你們覺得什麼是詩？詩對你們來說有標準答案嗎？」他強調，許多人在未確切理解詩的本質之前，就已經開始創作。在廖瞇的觀察中，詩的認識來自於長期的閱讀與感受。他思考：「只玩文字是否就是詩？或者它必須具有深邃的精神意涵？」他認為詩的型態可以多種多樣——僅有音樂性、圖像構成，甚至是口語簡白或精雕細琢的文字，都可能成為詩。
然而，儘管詩的形式多變，總有某些類型的作品特別打動他。但這並不意味著其他類型就不能稱為詩。他的觀點呈現出詩的開放性與可能性，認為詩的定義應由個人經驗與感受來決定。與其問「詩是什麼」，任明信認為更應該問「什麼是詩」。他指出，詩在人類誕生之前是不存在的，而詩是人類的文字遊戲。在他的認知裡，詩有兩個核心：詩的身體與詩的靈魂。
詩的「身體」是文字，它可以呈現為唐詩、宋詞，甚至元曲、小說，如《西遊記》或《紅樓夢》。詩的形式無固定樣貌，甚至可以是散文詩。「你自己認為什麼是詩，就算全世界都不這麼認為，你也可以認為它是詩。」他認為，詩幾乎已經沒有固定形式，無需說服他人接受某種特定的詩定義。
然而，詩的「靈魂」則關乎詩意。他認為詩意來自「深刻」與「神秘」。深刻，意味著作品能夠擊中讀者的內心，如同戀愛時的「跌落」感，讓人無法抗拒。神秘，則代表詩作的不可解性，即使讀者以為自己理解了，每次閱讀仍能帶來全新的體驗。基於這樣的定義，音樂可以是詩，日常生活的對話可以是詩，甚至照顧植物時為其哼唱的歌謠也可以是詩。他分享了一個例子：「我有個朋友會為他的貓唸繪本，我覺得他是詩人。」對他而言，任何具有深刻與神秘性的行為都可以被視為詩，即便創作者不寫詩，也可能成為詩人。
相對地，雖然有人在寫詩，卻未必具有詩意。在他心中，這樣的人是「寫詩的人」，但不一定是「詩人」。
無論是廖瞇對詩的開放態度，或是任明信對詩意的深刻詮釋，都顯示詩的定義並無固定標準。詩或許不僅存在於文字之中，而是滲透於我們的日常，透過情感、哲思與創意展現其多樣性。詩的本質，也許就在於我們如何感受這個世界，以及我們如何以獨特的方式表達對生命的體悟。
詩，可以帶我們到很遠的地方
詩可以是無處不有，所有藝術的邊界都是詩，可以帶我們到很遠的地方。文學獎的機制或許殘酷，但藉由交流會的舉辦，可以讓評審與參賽者互相溝通理解，期望未來在寫詩的道路上繼續遇見是比得獎與否更重要的事。
